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Pioneiros da comunicação visual
Alexandre Wollner, 1983
Agitprop traz o texto Pioneiros da Comunicação Visual de Alexandre Wollner, publicado no clássico livro de Walter Zanini, História Geral da Arte no Brasil, vol. 2, edição do Instituto Moreira Salles, São Paulo, 1983. O livro nunca foi reimpresso ou reeditado e é fonte constante de consultas de estudantes e professores. Agitprop tem a autorização não só do autor do texto, mas também do organizador do volume, professor Walter Zanini, e do Instituto Moreira Salles para esta publicação. Com a divulgação do texto abaixo, estamos certos de prestar grande serviço à comunidade do design brasileiro e também de homenagear Alexandre Wolllner em seu 80º aniversário.
Wollner revisita no texto que segue algumas origens da comunicação visual brasileira, trazendo à luz alguns trabalhos pouco conhecidos na história de nosso design gráfico. Ao adotar o método racional-sistemático da escola de Ulm para compreender as fronteiras do design gráfico, Wollner traça uma genealogia de certa linhagem, repudiando toda e qualquer aproximação com as artes aplicadas ou com a tradição das belas artes. No entanto, não deixa de reconhecer o valor daqueles que denomina de artistas gráficos e suas produções, deixando valiosas pistas para o trabalho de reconstrução de origens formais adotadas em nosso país. (Ethel Leon)
As grandes exposições resultantes da primeira Revolução Industrial (1760 até 1880) são o ponto de partida do que hoje denominamos comunicação visual. A criação do Arts & Crafts Exhibition Society, em Londres (1888), deflagra um comportamento de funções nas artes aplicadas. Estas se liberam da tradição de fiéis seguidoras dos movimentos de arte. Artistas e poetas como William Morris (1834-96); Toulouse-Lautrec (1864-1901), Filippo Tommaso Marinetti e Guillaume Apollinaire passam a produzir livros, cartazes e manifestos conferindo à ‘tiragem’ o mesmo valor que a peça única original. O processo gera o profissional de artes gráficas que divide suas atribuições entre a arte aplicada e a pura especulação artística e forma-se o conceito indevido do pintor, gravador, ilustrador e desenhista como criador dos meios visuais de comunicação que persiste ainda hoje, no Brasil, por exemplo.
Há diferenças fundamentais entre o profissional atual e o gerado pelo novo comportamento nas artes aplicadas durante o desenvolvimento da era industrial, pois a própria função das artes visuais aplicadas também evoluiu com a implantação de novos e complexos meios de comunicação visual. Até o surgimento da Bauhaus (1919-32) predomina o pintor/gravador/ilustrador, cuja função atinge as artes aplicadas sem estar necessariamente voltada para os meios de impressão, ou para os problemas de percepção próprios da linguagem da comunicação.
A partir da confluência dos propósitos da Bauhaus, das ‘campanhas’ De Stijl (1917-32), das idéias construtivistas (1910), do dadaísmo (1916-24), da teoria da Gestalt (1913-36) e da evolução do posicionamento da arte face ao desenvolvimento industrial, vão-se estruturando atribuições específicas do profissional de artes gráficas, que passa a penetrar na função dos elementos visuais para solucionar problemas de legibilidade e percepção sem, contudo, abandonar a preocupação da peça única e raramente enfrentando a totalidade do conjunto dos meios de comunicação.
De fato, somente após a Segunda Guerra Mundial é que se desenvolve a figura do designer gráfico como um especialista nos problemas técnicos da criação dos elementos estruturais do comportamento visual, um profissional que desponta, a partir dos anos 50, após o aparecimento dos grandes conglomerados industriais, em plena evolução dos meios de comunicação de massa, e que passa a programar os meios de comunicação através da estruturação racional, eficiente, não só da comunicação em si, mas em função do somatório de elementos técnicos, econômicos e materiais — enquanto elementos de identidade visual —, ou seja, o profissional que hoje denominamos programador visual ou designer gráfico.
Essas três etapas exigiam não só um treinamento cada vez mais especializado como criaram a necessidade de preparação de um profissional com conhecimentos suficientes para poder trabalhar com gráficos, especialistas em mercadologia, executivos, e que em sua formação, acabou recebendo um treinamento superior e específico.
No Brasil, atualmente, os três tipos de profissionais coexistem e continuam sendo solicitados, às vezes indevidamente, para a solução de problemas de comunicação visual, e é importante redefinirmos as suas áreas de atuação:
o pintor/desenhista/gravador (metal, madeira, pedra), disponível no mercado como ilustrados de livros, capas de disco etc.;
o artista gráfico com noções de arte e conhecedor de princípios técnicos (impressão, tipo, cores etc.), atuante no mercado nas funções mais elevadas de diretor de arte em publicidade ou em editoras de revistas etc.;
e o designer gráfico, programador racional dos meios de comunicação visual e da elaboração de programas de identidade visual.
Ao fazermos um levantamento das participações desses profissionais no mercado brasileiro, constatamos que ainda hoje predominam as atividades do artista plástico, quase em igual proporção às do artista gráfico, sendo a faixa de atuação do designer gráfico muito reduzida. Isto nos leva a organizar esse trabalho em duas etapas: na primeira, as manifestações pioneiras em comunicação visual no Brasil que se desenvolveram a partir das primeiras décadas deste século até hoje, e as três categorias de profissionais já mencionadas; e na segunda, procuraremos identificar os designers gráficos pioneiros da comunicação visual no Brasil.
A evolução das artes gráficas, a implementação da indústria tipográfica, gráfica e do fabrico do papel no Brasil, antes da Segunda Guerra Mundial, não foram acompanhadas pelo devido preparo dos profissionais em tipografia e no conjunto de equipamentos. Houve, no entanto, alguns artistas que se esforçaram sobremaneira para que fossem contornadas as deficiências técnicas da época. Além disso, a demanda era definida a partir de modelos alienígenas, conforme pedidos dos maiores solicitadores: agências de publicidade, indústria e comércio e, dessa forma, nos anos 20 e na primeira metade dos anos 30, os trabalhos foram calcados no modelo europeu (alemão, francês, italiano) e, mais tarde, no modelo norte-americano. Alguns profissionais, entretanto, distinguiram-se pela preocupação de colocar em seus trabalhos elementos identificadores nacionais. Porém são raros os exemplos no período compreendido entre o desenvolvimento da Revolução Industrial e 1920, a não ser alguns meios de comunicação, como os empregados em determinadas revistas políticas, de humor e variedades: O Malho, Eu Sei Tudo, Revista da Semana, Careta, A Cena Muda. Entre os profissionais afirmam-se principalmente caricaturistas como J. Carlos (1884-1950), Helio Sá (1925-) etc., mas dificilmente um artista gráfico. Apreciam, entretanto, alguns cartazes. Henrique Fleuss (1823-82) desenhou o que se poderia considerar o primeiro cartaz de propaganda, por ocasião do lançamento da Semana Ilustrada.
A bibliografia brasileira relativa à comunicação visual desses anos iniciais é pobre. Algumas informações constam de um artigo de Ricardo Ramos que apareceu no Anuário Brasileiro de Propaganda (1970-71), e pelos depoimentos de Antônio Sodré C. Cardoso e Hermelindo Fiaminghi (1920-). Ricardo Ramos observa que os primeiros anúncios apareceram nas revistas Mequetrefe e O Mosquito por volta de 1875, e que sua evolução pode ser constatada em jornais como O Mercúrio (1898), que apresentava anúncios ilustrados por Raul (1874-1953), K. Lixto (1853-1927), Julião Machado (1863-1930) e Belmiro de Almeida (1858-1935).
Com o advento do século XX, começaram a surgir, sobretudo no Rio de Janeiro, as principais revistas brasileiras: Revista da Semana (1900), O Malho (1902), Fon-Fon (1907), A Careta (1908) e posteriormente, Paratodos (1918). Despontavam, nessa época, Álvaro Moreyra (1888-1964) e J. Carlos. Em São Paulo, surgiram as revistas Vida Paulista (1903) e Arara (1904), que publicavam anúncios da Antarctica, Cia. Paulista de Seguros, Loteria do Estado de São Paulo, Casa Baruel, Papelaria Duprat e do Polytheama (espécie de bar/restaurante/cinema).
Ao implementar o setor da indústria gráfica e de comunicação, o Brasil, sem tradições nesse campo, entra já tendo assimilado o desenvolvimento de países de tradições muito arraigadas, como a Holanda, a Suíça, a Itália, a Alemanha e a Inglaterra. A influência técnico-gráfica de origem germânica (austríaca e alemã) e as influências artísticas da França e da Itália, relevantes desde os primórdios, tornam-se bem notórias entre as duas guerras mundiais. Basta lembrar alguns nomes dos que instalaram o nosso parque gráfico: Valders, Dafferner, Weissflog, Oscar Fluess, Schelliga, Lanzara, Humberto Rebizzi, Karl Oscar Reichenbach, André Schoetzer, Bremensis, Rufer, Bothschield, Fritz Graf, Erich Eichner, Hartmann & Soehne, Niccollini, Kurt Riechenbach, Romiti, Antonio Bacchi, Alfio Fioravanti, entre outros. Também alguns técnicos que desenvolveram, principalmente, o fotolito a nível industrial: Ignaz Johan Sessler, Frederico Moulin, Arnoldo Vanderberg, Eduardo Rosenberg.
Como pioneiros da comunicação, enquanto expressão visual, destacam-se nomes que, sem dúvida alguma, influenciaram o desenvolvimento cultural no Brasil. Eram artistas que já tinham uma carreira na Europa, oriundos de academias de arte e não propriamente de escolas de design gráfico (como a Bauhaus) ou mesmo de escolas técnicas avançadas na Suíça, Holanda, Inglaterra, União Soviética, Polônia e Japão. Até os anos 30, os artistas comerciais de maior destaque e influência foram: Gerard Orthoff (1903-), Theo Gygas, Conde Hannanory, Barão von Puttkammer, Kurt Eppenstein, Theodor Heuberger, Garutti (1896-), Alberto Scripillitti, Beto Sayago, Hariberto Rebizi, Mick Carnicelli (1893-1967) e Mirgalovchi (1899-1976).
As primeiras agências de publicidade (na época, de ‘propaganda’) começaram a impor-se e com elas o estilo norte-americano de comunicação, em que a ilustração era sempre acompanhada de um texto de persuasão. Aos poucos, a influência européia, que podia ser observada nos cartazes de rua, de bondes, folhetos, embalagens e anúncios em jornais e revistas, foi sendo eliminada. Os próprios artistas europeus residentes no país, mesmo a contragosto, tiveram de adaptar-se a essa nova realidade por uma questão de sobrevivência. Uma vez que as soluções visuais eram sempre imitações de modelos norte-americanos, não houve muita evolução nesse campo.
As atividades das agências de publicidade, no entanto, levaram a uma transformação no setor pela exigência de qualidade dos meios e veículos gráficos, impressos. Isso provocou um crescimento paulatino do parque industrial no setor gráfico, incentivando a aplicação de capital para a importação de equipamentos atualizados e dos mais sofisticados. O próprio governo favoreceu a possibilidade de importação mediante incentivos fiscais: as gráficas e as editoras reequiparam-se; mas, na década de 1970, os incentivos foram suspensos.
O preparo da mão-de-obra nacional, entretanto, não acompanhou esse crescimento. Os operadores atualizados e sofisticados não obedeceram à mesma ordem de qualidade. Ainda hoje, o treinamento profissional do operador gráfico, quando não é inexistente, deixa muito a desejar.
O pouco que foi feito nesse sentido pode ser situado nos anos 50, quando a evolução industrial do país fazia-se sentir. Por iniciativa do professor Pietro Maria Bardi e sob a coordenação da arquiteta Lina Bo Bardi, foi inaugurado o Instituto de Arte Contemporânea (1951) que funcionou no Museu de Arte de São Paulo, criado em 1948 pelo jornalista Assis Chateaubriand. O IAC organizou um curso de nível superior destinado a preparar profissionais capazes de formar uma linguagem original, com elementos visuais próprios, não nacionalistas, mas oriundos da nossa cultura, com signos próprios mas de leitura universal. Assim como foram criadas a linguagem visual suíça, a polonesa, a alemã, a japonesa, a americana, a italiana, a francesa e a mexicana, seria criada uma linguagem visual brasileira, de modo que, como nos outros países, cada produto ou manifestação visual pudesse ser reconhecido pelo simples comportamento visual que carregava.
O IAC funcionou somente por três anos e dos poucos alunos apenas quatro continuam até hoje desenvolvendo seu trabalho no campo do design gráfico: Estella T. Aronis (1931-), Emilie Chamie (1928-), Ludovico Martino (1933-) e Alexandre Wollner (1928-).
O Brasil é um país que tem muita pressa. Essa pressa corta certas possibilidades de desenvolvimento próprio. Assim como se passou de uma cultura agrícola para uma industrial, passou-se da tipografia para o offset e deste para rotogravura, do clichê para o fotolito e o rotofilme; da gravação fotoquímica-sensível, para a gravação pelo raio laser. Naturalmente, essas condições não possibilitam a assimilação das novas técnicas por parte dos profissionais preparados inadequadamente.
As agências de publicidade continuavam a gerar seus próprios diretores de arte, apesar da existência do IAC e da Escola Superior de Propaganda (que foi criada no Museu de Arte de São Paulo e contemporânea do IAC). Nenhum diretor de arte formado pela ESP ou mesmo qualquer aluno do IAC, no entanto, veio a ser solicitado ou aproveitado pelas agências, nas quais perpetuavam-se a tradição do profissional autodidata e a transmissão de experiência de geração para geração, dentro da própria agência. Profissionais de grande capacidade foram gerados pelas agências, profissionais que assimilaram a técnica americana de persuasão e que exerceram sua influência no meio: Fritz Lessin (1916-70), Jean G. Willin, Joaquim Alves, Rambeli, Hermelindo Fiaminghi, Fred Jordan (1927-), Milton Breschia (1924-), Gerald F. Wilda (1915-), Vicente Caruso (1913-), Alex Perissinoto (1925-), Pery Campos (1901-75), Darcy Penteado (1926-), Enrico Camerini (1926-), Albert Schust Oller (1934-), Francesc Petit (1934-), José Zaragoza(1930-), entre outros. Também produtores de gráficos, pessoal que determinava a escolha de tipo (corpo e família): A. Alves e Oswaldo Schwartz.
Gostaríamos de nos deter um pouco mais nos anos 50, pois do nosso ponto de vista essa década foi um marco fundamental na formação dos grandes profissionais da comunicação visual no Brasil. Comunicação visual entendida como desenvolvimento de trabalhos de estruturação visual, como comportamento global, como identidade visual, como criação de códigos visuais para sinalização urbana, enfim, como trabalhos complexos onde se exige do profissional um preparo em nível superior.
Nos anos 50, houve várias manifestações culturais, no Brasil, notadamente em São Paulo, que contribuíram, com informações importantíssimas para a sensibilização de alguns profissionais, os quais por definir-se pela carreira de designer gráfico, ainda difícil no Brasil. Para exemplificar, bastaria mencionar a primeira exposição retrospectiva do escultor, pintor, designer, arquiteto, teórico, educador suíço Max Bill (1908-), em 1952, no Museu de Arte de São Paulo, e ,em 1951 e 1953, as primeira e segunda bienais por iniciativa do industrial Francisco Matarazzo Sobrinho.
A exposição de Max Bill possibilitou uma visão da viabilidade do design industrial e gráfico na comunidade, do campo de atuação profissional, da metodologia e do conteúdo social resultante da evolução técnico-estética desenvolvida desde a Bauhaus e que Max Bill, oriundo da Bauhaus, viria a implantar novamente na própria Alemanha, em Ulm-Donau, a Hochschule fuer Gestaltung (1953-69). Em 1953, Max Bill, apontado como membro do júri internacional de premiação da II Bienal de São Paulo, interessou-se pelo IAC e convidou Alexandre Wollner a freqüentar a escola de Ulm juntamente com outros brasileiros: Almir Mavignier (1925-) e Mary Vieira (1927-) freqüentaram o curso de comunicação visual (1954-58). Wollner voltou ao Brasil, Mavignier ficou na Alemanha e Mary Vieira se estabeleceu na Suíça.
Para a divulgação da I Bienal de São Paulo, foi escolhido, através de concurso nacional, o cartaz executado por Antônio Maluf (1926-), aluno do IAC. Trata-se do primeiro cartaz construtivista brasileiro. A II Bienal teve como importância a mostra de obras de artistas do nível de Vantongerloo, De Stijl, Mondrian, Kandinsky, Van Doesburg, Albers, Picasso, Morandi, entre outros, cuja importância para a cultura visual não é necessário ressaltar.
Para entender melhor a evolução da comunicação visual no Brasil, é necessário abrir um parêntese para registrar alguns eventos de importância significativa ocorrida antes dos anos 50.
Nos anos 30, mais precisamente entre 1938-41, em sua curta permanência no Brasil, o arquiteto austríaco Bernard Rudofsky (1907-) executou alguns trabalhos relevantes, inclusive um design que lhe deu oportunidade de ir aos Estados Unidos, onde reside atualmente, levando ao Museum of Modern Art de Nova York um móvel que desenvolveu no Brasil para a famosa Casa & Jardim de Theodor Heuberger, grande incentivador da cultura alemã no Brasil. Além desse projeto premiado pelo MOMA e apresentação na exposição Organic Design em 1941, Rudofsky desenhou as lojas e a marca da Fotoptica, a loja Casa & Jardim e uma loja do joalheiro Jean Richard, todas instaladas na outrora prestigiosa rua Barão de Itapetininga, em São Paulo. Para Casa & Jardim, ainda, organizou os papéis administrativos e folhetos promocionais. Rudofsky atualmente divide-se entre Nova York e Ibiza na Espanha, é conselheiro do Cooper-Hewitt Museum, entidade nova-iorquina dedicada ao design, onde organiza exposições e ‘modo de viver’, como gosta de chamar suas mostras. Mantém uma posição crítica quanto à validade do design e da arquitetura como função na comunidade.
Em fins dos anos 40 (1948-52), o estilista americano de origem francesa Raymond Loewy (1893-) interessou-se pelo Brasil e instalou um escritório em São Paulo. Tendeu a várias indústrias importantes: Matarazzo, Pignatari, Alumínio Rochedo, Calçados Clark e Gessy. Executou projetos de marcas, embalagens, estratégias de marketing, design de produtos, de arquitetura e engenharia. O escritório era supervisionado pelo designer-engenheiro Bosworth que ficou no Brasil e se dedicou à construção de complexos industriais. Apesar do sucesso inicial, o escritório não oferecia condições de projetos aos níveis exigidos por Raymond Loewy, isto é, projetos completos de design e rentabilidade financeira. O escritório foi logo desativado.
Merece destaque também os trabalhos de Aloisio Magalhães (1927-82) e Gastão de Holanda (1919-) que desenvolveram no Recife o Gráfico Amador, preocupados em identificar uma coleção de livros pela harmonia da relação texto, tipografia, ilustração, capa (1954 e 1958).
Em fins de 1958, com a volta de Wollner de seus estudos em Ulm, Alemanha, e por incentivo de Geraldo de Barros (1923-), associando-se a Rubem de Freitas Martins (1929-68) e Walter Macedo, abriu-se o que se pode ser chamado de primeiro escritório de design brasileiro, a Forminform.
Geraldo de Barros, importante pintor, fotógrafo, designer e industrial, há muito vinha se interessando por artes gráficas e design de móveis. Fora o autor do cartaz premiado no concurso do IV Centenário de São Paulo. A repercussão de seu cartaz juntamente com o da I Bienal de Antônio Maluf congregou, no período de 1951 a 1954, em São Paulo, um grupo de jovens artistas em torno de propostas visuais com funções mais adequadas a uma realidade visual brasileira: cartazes com sinais gráficos simplificados e diretos, fusão de elementos tipográficos e gráficos relacionados de maneira orgânica e com mais objetividade, o uso da fotografia em lugar da ilustração nos anúncios, cartazes e folhetos. Integravam o grupo, além de Barros e Maluf, Maurício Nogueira Lima (1930-), Leopoldo Haar (1910-54), Gustavo Goebel Weyne (1933-) e Alexandre Wollner. A falta de uma estrutura de apoio a artistas gráficos que fugiram à rotina de copiar expressões alienígenas não permitiu dar continuidade a trabalhos sérios. Somente em 1958 houve condições para se iniciar a atividade do design com estruturas sólidas, ao ser criado o Forminform com Geraldo de Barros, Martins, Macedo e Wollner, havendo depois a adesão de Karl Heinz Bergmiller (1928-), designer alemão formado em Ulm.
No inicio dos anos 60, em São Paulo, um grupo de jovens arquitetos estudantes da FAU-USP movimentaram-se para criar uma associação para a divulgação do design, enquanto o Rio de Janeiro, durante o governo de Carlos Lacerda, seu secretário de Cultura, Carlos Flexa Ribeiro, criava em 1963 a Escola Superior de Desenho Industrial, ligada à Universidade Estadual do Rio de Janeiro, a primeira escola oficial inteiramente dedicado ao desenho industrial e comunicação visual.
Em 1962, a convite de Niomar Moniz Sodré Bittencourt, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro promoveu um curso especial ministrado por dois professores de Ulm: Otl Aicher (1922-) e Tomás Maldonado (1922-) que paralelamente a um curso de tipografia criativa dada por Aloisio Magalhães e Wollner foram o germe da criação da ESDI. A principio, era intenção do MAM-RJ organizar uma escola de design nos moldes de Ulm, tanto que Niomar Moniz Sodré havia encomendado a Maldonado, então um reitor de Ulm, um programa curricular básico. As ingerências econômicas não permitiram a implantação do projeto no Museu. Isto levou Flexa Ribeiro, antes como diretor do Museu e logo depois como Secretário de Cultura do governo carioca, a assumir a responsabilidade da implantação da escola tutelada pelo Estado. Foi formada uma comissão para elaborar o primeiro currículo, com Maurício Roberto, Lamartine Oberg e Wladimir Alves de Souza. Mais tarde, nomes como o do norte-americano Joseph Carreiro, Orlando Luiz, Alexandre Wollner, Aloisio Magalhães, Mischa Black, designer inglês, José Simeão Leal, Flávio de Aquino, Karl Heinz Bergmiller e Euryalo Canabrava, também figuraram entre as comissões de estruturação do currículo e projetos definitivos. O primeiro diretor da ESDI foi Maurício Roberto.
A escola do Rio (ESDI) e a associação de São Paulo (ABDI) foram instituições essenciais na divulgação e implantação do design gráfico e no apoio aos professores da área.
De acordo com os fatos acima citados e ocorridos nos anos 60, o design como profissão estava oficialmente estabelecido. Em 1958, surgem os primeiros trabalhos de design gráfico conhecidos em profundidade : a reformulação do aspecto visual e técnico dos matutinos cariocas Correio da Manhã e Jornal do Brasil; o programa de identidade visual de Argos Industrial. Em 1962 a sinalização urbana do aterro Glória-Flamengo no Rio; em 1964, o programa de identidade visual para as festividade do IV Centenário da Cidade do Rio de Janeiro; e, a partir de 1968, as Bienais Internacionais de Desenho Industrial organizadas pelo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Ainda em 1968, o programa de comunicação implantado pelo Metrô de São Paulo.
Nos anos 70, as agências de publicidade recorrem aos serviços de designers gráficos; o governo federal assimila e promove programas de incentivo ao design, além de aproveitar designers em seus quadros funcionais; o Banco Central implanta os desenhos de usas novas cédulas de cruzeiro, após um concurso entre designers; as principais indústrias contratam programas de identidade visual através de designers gráficos.
Aloisio Magalhães, Gustavo Goebel Weyne, Joaquim Reidig de Campos (1946-), Rafael Rodrigues (1940), Roberto Verschleisser (1938-), no Rio de Janeiro; David Pond (1937-), Ludovico Martino, Fred Jordan, Fernando Lemos e Alexandre Wollner, em São Paulo; João Roberto Nascimento do Recife, têm se destacado sobremaneira na divulgação do profissional designer gráfico como profissão autônoma e específica.
Paralelamente, ou mais tarde, alguns artistas plásticos divulgam trabalhos em design gráfico: Wesley Duke Lee (1931-), Willys de Castro (1926-) e Júlio Plaza (1938-).
Queremos terminar esta pequena relação da história da comunicação visual no Brasil prestando uma homenagem a alguns artistas que, lutando numa época totalmente adversa aos novos conceitos de design, tiveram a convicção e deram o máximo de dignidade cultural à expressão visual em nosso país. Além do brasileiro Ary Fagundes (1910-), gostaríamos de lembrar artistas oriundos de países europeus que para cá vieram, escapando às dificuldades políticas que a Europa atravessava nos anos 30. São eles, por ordem alfabética: Charlotte Adlerova (1908-), Dorothea Gaspary (Dorca) (1910-), Leopoldo Haar, Fred Jordan (1927-), Géza Kaufmann (1914-), Gerald Orthoff (1903-) e Georges Rado (1907-).
WOLLNER, Alexandre. Pioneiros da Comunicação Visual, in ZANINI, Walter (org). História Geral da Arte no Brasil, vol. 2. São Paulo: Instituto Moreira Salles, 1983.
Wollner revisita no texto que segue algumas origens da comunicação visual brasileira, trazendo à luz alguns trabalhos pouco conhecidos na história de nosso design gráfico. Ao adotar o método racional-sistemático da escola de Ulm para compreender as fronteiras do design gráfico, Wollner traça uma genealogia de certa linhagem, repudiando toda e qualquer aproximação com as artes aplicadas ou com a tradição da tradição das belas artes. No entanto, não deixa de reconhecer o valor daqueles que denomina de artistas gráficos e suas produções, deixando valiosas pistas para o trabalho de reconstrução de origens formais adotadas em nosso país. (Ethel Leon)
Agitprop traz o texto Pioneiros da Comunicação Visual de Alexandre Wollner, publicado no clássico livro de Walter Zanini, História Geral da Arte no Brasil, vol. 2, edição do Instituto Moreira Salles, São Paulo, 1983. O livro nunca foi reimpresso ou reeditado e é fonte constante de consultas de estudantes e professores. Agitprop tem a autorização não só do autor do texto, mas também do organizador do volume, professor Walter Zanini, e do Instituto Moreira Salles para esta publicação. Com a divulgação do texto abaixo, estamos certos de prestar grande serviço à comunidade do design brasileiro e também de homenagear Alexandre Wolllner em seu 80º aniversário.
Wollner revisita no texto que segue algumas origens da comunicação visual brasileira, trazendo à luz alguns trabalhos pouco conhecidos na história de nosso design gráfico. Ao adotar o método racional-sistemático da escola de Ulm para compreender as fronteiras do design gráfico, Wollner traça uma genealogia de certa linhagem, repudiando toda e qualquer aproximação com as artes aplicadas ou com a tradição da tradição das belas artes. No entanto, não deixa de reconhecer o valor daqueles que denomina de artistas gráficos e suas produções, deixando valiosas pistas para o trabalho de reconstrução de origens formais adotadas em nosso país. (Ethel Leon)
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